ARQUITECTURA
Brunelleschi Filippo
Biografia
Arquitecto y escultor italiano. Fue el arquitecto italiano más famoso del siglo XV y, con Alberti, Donatello y Masaccio, uno de los creadores del estilo renacentista. Se formó como escultor y orfebre e inició su carrera en el ámbito de la escultura. No es de extrañar, por tanto, que participara en el concurso para la realización de las puertas del baptisterio de Florencia en 1401, certamen en el que quedó segundo, después de Ghiberti. Se dice que su decepción por este relativo fracaso fue tal que en lo sucesivo decidió dedicarse casi exclusivamente a la arquitectura.
Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva, la clave del arte del Renacimiento. A Brunelleschi se debe, de hecho, la formulación de las leyes de la perspectiva central, tal como afirma Alberti en su famoso tratado De la pintura.
Obras:
La catedral de Florencia estaba inacabada, la rivalidad con las ciudades vecinas llevo a los florentinos a idear un proyecto ambicioso para su catedral. Construyeron una base tan grande que ciertos problemas técnicos impidieron la construcción de la cúpula. Se hizo un concurso y se decidió que Brunelleschi junto a Ghiberti levantarían la nueva cúpula. Brunelleschi no tardó en apartar del proyecto a Ghiberti, que aunque se había ganado la confianza de los florentinos, no entendía demasiado de arquitectura; y prosiguió con la construcción hasta acabarla en 1436 (tardó 16 años) La cúpula se basaba en el doble emparedado de el Panteón de Roma y su construcción se pudo llevar a cabo gracias a los conocimientos de Filippo sobre la ingeniería
Obras:
Catedral Santa Maria de Florencia
La catedral de Florencia estaba inacabada, la rivalidad con las ciudades vecinas llevo a los florentinos a idear un proyecto ambicioso para su catedral. Construyeron una base tan grande que ciertos problemas técnicos impidieron la construcción de la cúpula. Se hizo un concurso y se decidió que Brunelleschi junto a Ghiberti levantarían la nueva cúpula. Brunelleschi no tardó en apartar del proyecto a Ghiberti, que aunque se había ganado la confianza de los florentinos, no entendía demasiado de arquitectura; y prosiguió con la construcción hasta acabarla en 1436 (tardó 16 años) La cúpula se basaba en el doble emparedado de el Panteón de Roma y su construcción se pudo llevar a cabo gracias a los conocimientos de Filippo sobre la ingeniería
Hospital de los inocentes
Basilica de la Santa Cruz
El interior tiene una estructura de cruz egipcia con forma de “T”, con tres naves. La central, grande y solemne, tiene pilares octogonales y arcos ojivales que soportan los muros finos, símbolo de las doctrinas franciscanas. Arnolfo di Cambio, en su proyecto, quería reflejar la sencillez y pobreza de la orden, y por esto realizó la iglesia con una planta desnuda. Las amplias ventanas iluminaban los frescos de las paredes que describían, de una manera directa, la vida de Cristo y de los santos: era la Biblia de los pobres para el pueblo analfabeta. En la parte posterior de la basílica hay muchas capillas dedicadas a familias burguesas florentinas. Estos edificios conservan los frescos originales de Giotto y de otros maestros del siglo XIV.
Rafael Alberti
Biografia
El italiano Leon Battista Alberti fue, además de arquitecto, el primer teórico del arte del renacimiento.
Nació en Génova el 14 de febrero de 1404. Era hijo de Lorenzo Alberti, miembro de una rica familia de comerciantes y banqueros. Recibió una esmerada formación en la escuela de Barsizia (Padua) y en la Universidad de Bolonia. Estudió griego, matemáticas, ciencias físicas, filosofía, música, pintura y escultura.
En 1434 se incorporó a corte papal establecida en Florencia. Se introdujo en los ambientes humanísticos y culturales de la ciudad y entabló amistad con algunos artistas del momento como Brunelleschi, Donatello y Masaccio.
Obras:
Palacio Rucellai (1445-1451), Florencia
Dispone el palacio en torno a un patio central, siguiendo la disposición de la típica domus romana, y se centra en la fachada, que es donde se encuentran las soluciones más novedosas.
Divide la fachada en tres pisos separados por cornisas con un claro sentido horizontal, aunque estas divisiones horizontales no coinciden con la altura real de las plantas. Para romper la horizontalidad introduce una serie de pilastras verticales en las que emplea la superposición de órdenes clásicos. Con ello consigue, además, un interesante juego de luces y sombras.
El palacio se convirtió en un modelo a seguir en las sucesivas construcciones de residencias señoriales.
Santa María Novella (1456-70), Florencia
Bajo la petición de Rucellai en 1456, acomete la finalización de la fachada de la iglesia de Santa Maria Novella, que había quedado inacabada. El principal problema era integrar los elementos de épocas anteriores.
Alberti completó la fachada, la parte del basamento ya estaba realizada, con una ordenación clásica, basada en la proporción. Para unificar el conjunto y armonizar los elementos previos góticos con los nuevos, renacentistas, utilizó la taracea de mármoles de colores, una tradición constructiva toscana. Consiste en la combinación de mármoles blancos y verdes oscuros.
La solución final es una fachada a modo de telón delante de una iglesia gótica.
Templo San Francisco o Templo Malatesta de Rimini (1447-1450)
Sigismondo Pandolfo Malatesta, príncipe de Rimini, encargó a Alberti transformar la iglesia de San Francisco y convertirla en un templo en el que disponer su sepultura, la de su amada Issotta degli Tai y las tumbas de los hombres ilustres de Rimini.
Aunque el proyecto quedó inacabado, se sabe que Alberti planteó la fachada principal a modo de arco de triunfo y que para el ábside quería desarrollar una gran rotonda cubierta por una bóveda hemisférica.
Donato Bramante
Biografia:
Arquitecto y pintor italiano. Fue el mayor arquitecto del Renacimiento italiano, a caballo entre los siglos XV y XVI, heredero de Brunelleschi y Alberti e inspirador de muchas de las grandes figuras de la arquitectura posterior, de Sansovino a Antonio de Sangallo el Joven.
Aprendió de Brunelleschi y Alberti el arte de la creación de espacios armoniosos y proporcionados, y añadió al estilo de aquéllos un interés nuevo por la perspectiva que le llevó a crear singulares efectos de profundidad y espacio en sus obras. Un ejemplo emblemático de ello es el templete de San Pietro in Montorio, en Roma, una pequeña construcción circular en el centro de un patio rectangular, proyectada para ser el centro de un recinto porticado que debía acentuar sus efectos escenográficos.
En 1499, tras la caída de Ludovico el Moro, se trasladó a Roma, donde trabajó principalmente al servicio del papa Julio II. En 1503 proyectó el patio del Belvedere y en 1506 se hizo cargo del proyecto de la nueva basílica de San Pedro. Ninguna de las dos obras se llevó a cabo tal como Bramante había previsto, pero la genialidad de las soluciones por él propuestas imprimió una nueva orientación, más monumental y escenográfica, a la arquitectura del Renacimiento. Intervino también en la sistematización de algunos barrios de Roma, ofreciendo con su palacio Caprini un nuevo prototipo de residencia urbana.
Obras:
El templete de San Pedro
El templete de San Pedro en Montorio, construido en Roma por encargo de la casa real española, puede considerarse como la más sintética y a la vez, acabada y perfecta, demostración del nuevo clasicismo arquitectónico que se había comenzado a elaborar en el s.XV en Florencia. Fue construido dentro de un pequeño patio, en el presunto lugar de la crucifixión de San Pedro, sobre el acceso a una cámara subterránea, en la que se venera el agujero donde fue enclavada la cruz.
Este pequeño oratorio circular, al que se accede en contadas ocasiones, está rodeado por un pórtico de dieciseis columnas de orden dórico, por encima del cual se eleva el tambor de la cúpula, rodeado por una balaustrada. A la cripta subterránea se accede por una escalera en el exterior del templete, ubicada en el lado opuesto al acceso principal.
El Cristo en la columna
Muestra una cierta influencia de Leonardo, siendo la única obra en tabla atribuida a Bramante. En 1499 el maestro abandona Milán y se establece en Roma, profundizando en el conocimiento de la arquitectura clásica. Julio II le nombró superintendente general de las construcciones papales, proyectando el patio del Belvedere y la basílica de San Pedro, obras que no llegó a terminar y que fueron posteriormente transformadas por diversos arquitectos, entre ellos Miguel Ángel. No hay prueba de su actividad pictórica en Roma pero Vasari afirma que diseñó la arquitectura que se encuentra en el fresco "La Escuela de Atenas" de Rafael. Precisamente Rafael será uno de sus más afamados dis-cípulos, ejerciendo Bramante una extra-ordinaria influencia tanto en Milán como en los arquitectos de la generación siguiente, entre los que destacan Bramantino, Antonio da Sangallo el Joven o Jacopo Sansovino.
Santa Maria de las Gracias
La decoración exterior combina ladrillos de terracota y marmol que forman la nave tardogótica que Guinitorte Solari diseñó para los monjes dominicos. Sobre esta base Bramante erigió una cúpula de decoración mucho menos recargada, coronada por una arquería. Ya dentro, el claustro se conoce como el Chiostrino delle Rane, por las ranas de bronce de la fuente.
El Convento conserva en sus paredes septentrionales una obra de arte de belleza inigualable, La última Cena, pintada entre los años 1495 y 1497 por Leonardo da Vinci, que marcó una nueva era en la historia del arte.
La escena reproduce el momento en que Jesucristo anuncia que uno de los discípulos lo traicionará. Judas es el cuarto por la izquierda .
Andrea Palladio
Obras
Obra de Masaccio 1422, es un temple sobre madera de 274cm x 65cm se encuentra ubicado en la iglesia de San Juvenal, Cascia, Italia. Encargo de la familia florentina de los Castellani para la Basílica de San Lorenzo.
Es un fresco realizado por el destacado artista del primer Renacimiento Masaccio. El fresco se encuentra pintado sobre la pared de la iglesia de Santa María del Carmine en Florencia, Italia, y representa una famosa escena de la biblia que se narra en el Génesis, la expulsión del paraíso.
Se pretende representar el pecado original y como este aleja al hombre de Dios. La escena está cargada de dramatismo, se destaca la actitud de los rostros de ambos personajes de arrepentimiento, además el paisaje donde caminan las figuras desnudas, además el gran arco de donde son expulsados que ya denota una inusual perspectiva típica del Quattrocento.
La perspectiva da la impresión de estar sometida a efectos de decorativismo.
Escena de la predela del retablo de San Marcos, Fra Angelico, (Munich, Alte Pinakothek). Esta obra representa, junto con la última escena de “El Sueño del diácono Justiniano,” el súmmum de la sofisticación en el ámbito del espacio, llevado a cabo por Angélico antes de sus obras prerromanas.
La primavera es una de las obras maestras del pintor renacentista Italiano Sandro Botticelli. Está realizado altemple de huevo sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho y fue realizada entre 1480 y 1481.
En el centro aparece Venus, la diosa del amor; a la derecha Cérifo el viento que persigue a la ninfa de la Tierra, Cloris, que al ser tocada por él se transforma en Flora, diosa dela vegetación y de las flores, sobre Venus esta Cupido, que dirige sus flechas a las tres Gracias, en concreto a la del centro, Castitas, que mira al dios Mercurio, mensajero de los dioses y nexo entre cielo y tierra.
Sus paisajes son primaverales, glorificación del cuerpo desnudo, sensualidad de sus figuras, profundidad de sus obras en cuanto a paisaje y volumen en sus ropajes.
Los rostros que denotan sentimientos, transparencia en sus telas, figuras estilizadas.
Se desarrolla en el renacimiento por lo tanto se inspira en la antigüedad clásica, es importante la representación humana, observación e imitación de la naturaleza, además hay el desarrollo del arte gracias al apoyo de los mecenas.
El Nacimiento de la Venus
Botticelli escoge para esta ocasión una temática mitológica con un fuerte significado simbólico. La escena se desarrolla en una pradera con un bosque de mirtos (el árbol de Venus) al fondo. Venus, diosa del amor aparece tumbada junto a Marte, dios de la guerra que ha caído derrotado frente a la dulzura y gracia de la diosa. Es el triunfo del amor sobre la guerra. Venus, más incorporada y con una ligera sonrisa que nos anuncia su victoria mira al dios de la guerra que duerme profundamente mientras, alrededor de los amantes, unos pequeños sátiros juegan divertidos con la armadura del dios e intentan despertar al dios de su profundo sueño.
Pintor italiano. El pintor Francesco Squarcione lo tomó a su cargo en calidad de hijo adoptivo y lo introdujo en el arte de la pintura. Pero cuando contaba diecisiete años, Mantegna, que no quería seguir trabajando para su mentor, le obligó por vía legal a concederle la independencia.
El joven pintor ya tenía entonces una personalidad claramente definida, como lo demuestran algunas de sus primeras obras, entre ellas el Retablo de san Zeno(Verona) y la Oración en el huerto. En el Retablo de san Zeno, los tres elementos plásticos fundamentales (dibujo, luz y color) están perfectamente definidos, como es habitual en toda la obra de Mantegna; además, los colores son vivos e intensos, destinados a precisar con fuerza el volumen de las figuras.
Poco tiempo después, y apenas finalizados sus trabajos en la Capilla Ovetari, le es encargada a Mantegna la realización de un retablo para la iglesia de San Zenón de Verona.
Realizado en su taller de Padua y enviada una vez finalizada a Verona en el año1459, está considerado el primer retablo plenamente renacentista del norte de Italia, presentando una disposición arquitectónica de tres calles separadas por columnas clásicas y un remate a modo de frontón semicircular.
En el cuerpo superior preside la imagen de la Virgen con el Niño flanqueada por los Apóstoles divididos entre las dos tablas laterales, mientras que en la predela, aparecen las escenas de la Oración en el Huerto, la Crucifixión y la Resurrección de Cristo.
Andrea Palladio
Andrea di Pietro, universalmente conocido como Palladio, vino al mundo en la ciudad italiana de Padua un 30 de noviembre de 1508. De familia humilde; apenas con 13 años ingresaría como aprendiz en un taller de cantería de la ciudad, donde iniciaría su formación hasta que, en 1523, su familia se instaló en la no lejana Vicenza, en cuyo gremio de constructores se inscribió Andrea mientras completó su formación de juventud al amparo de los talleres de Giovanni di Giacomo da Porlezza y de Girolamo Pitteli.
Fue precisamente a través de su nuevo mentor Daniele Barbaro como Palladio fue poco a poco introduciéndose en los círculos humanistas y culturales de la esplendorosa Venecia, donde gracias a los méritos que cosechó proyectando principalmente edificios religiosos, llegó a ser nombrado arquitecto mayor de la República Véneta en sustitución de Jacopo Sansovino, cargó que hasta su muerte en 1580, compaginaría con distintos proyectos tanto públicos como privados siempre en la norteña región del Véneto.
Villa Godi
Es una villa del siglo XVI relacionada con el arquitecto Andrea Palladio. Se encuentra en la localidad de Lonedo, en el municipio italiano de Lugo de Vicenza. Junto con otras villas palladianas del Venéto, está inscrita, desde el año 1996 en la lista de lugares Patrimonio de la Humanidad de la Unesco.
Es uno de los primeros proyectos de A. Palladio, el primero documentado con seguridad, en cuanto que viene documentado en el tratado del propio arquitecto Los cuatro libros de la arquitectura. La obra fue encargada por los hermanos Girolamo, Pietro y Marcantonio Godi, se comenzó en 1537 y acabó en 1542, con modificaciones posteriores de la entrada trasera y los jardines.
Obras
Palacio Chiericati
Es un Palacio manierista situado en Vicenza, en el norte de Italia. Fue diseñado por Andrea Palladio.
El palacio fue encargado a Adrea Palladio por el conde Girolamo Chiericati, de la familia Chiericati, una de las familias más influyentes de Vicenza durante el siglo XVI. El arquitecto comenzó las obras del edificio en 1550. El trabajó continuó gracias al patrocinio de Valerio Chiericati, hijo y heredero de Girolamo Chiericati. El palacio se terminó finalmente alrededor del año 1680, posiblemente por Carlo Borella.
La fachada principal del palacio está compuesta por tres salientes. La fachada tiene dos filas de columnas superpuestas. Las columnas de abajo son dóricas y las de arriba jónicas. En los laterales de cada nivel se presentan arcos que producen galerías entre las columnas y la pared. El techo es cacetonado y presenta estatuas en la parte superior.
Las Villas Palladianas
Las villas palladianas son un conjunto de construcciones suburbanas ubicadas todas en el ámbito geográfico del Véneto italiano que fueron proyectadas en el siglo XVI por Andrea Palladio. Se distinguen de otro tipo de villas como pueden ser las romanas o florentinas en que, mientras que éstas fueron concebidas exclusivamente para el recreo y descanso de sus propietarios, las que nos ocupan, además de finalidad recreativa, funcionaban como pequeños centros de producción agrícola.
PINTURA
Masaccio
Biografía
(Masaccio) Tommaso di Ser Giova Mone Cassai, Pintor italiano.
Nació el 21 de diciembre de 1401 en San Giovanni Valdarno. Hijo del notario Ser Giovanni Cassai y Jacopa di Martinozzo.
En 1417 se traslada a Florencia donde el 7 de enero de 1422 pasó a formar parte del gremio de pintores florentinos, relacionándose sobre todo con Donatello, del que toma su conocimiento del arte clásico y Brunelleschi, adquiriendo el conocmiento de la proporción matemática, como se aprecia en su primera obra Tríptico de San Giovenale.
En el año 1424 se inscribe en la "Compagnia di San Luca" donde comienza a relacionarse con Masolino y trabajan juntos en algunas obras como la Santa Ana, Virgen con Niño y ángeles y en la decoración de lacapilla Brancacci, la ejecución de dichos frescos dura cuatro años por lo que los compagina con otros trabajos como el Políptico de Pisa y el fresco de la Trinidad.Fue considerado como uno de los padres del renacimiento italiano cuyas innovaciones en el empleo de la perspectiva científica abrieron el período de la pintura moderna. Su obra tuvo gran influencia en pintores como Miguel Angel o Botticelli.En 1428 se trasladó a Roma para realizar junto a Masolino un tríptico para la iglesia de Santa Maria Maggiore, aunque no llegaría a realizarlo ya que fallece en este mismo año con sospechas de que fue envenenado. Sus obras, de rotundas imágenes impregnadas de un fuerte sentido volumétrico y naturalista, prefiguran la evolución que culminarán pintores posteriores, sentando las bases para que este cambio sea posible.
Obras
Triptico de San Juvenal
Obra de Masaccio 1422, es un temple sobre madera de 274cm x 65cm se encuentra ubicado en la iglesia de San Juvenal, Cascia, Italia. Encargo de la familia florentina de los Castellani para la Basílica de San Lorenzo.
La pintura está compuesta por tres tablas: la central representa a la Virgen entronizada con el Niño, flanqueados por dos ángeles, el niño está comiendo uvas, símbolo de la eucaristía. En los paneles laterales aparecen dos parejas de santos: San Bartolomé y San Blas en el de la izquierda, y San Juvenal y San Antonio Abad en el de la derecha. Estas tablas laterales muestran una marcada influencia de los modelos del siglo XIV.
Expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal
Es un fresco realizado por el destacado artista del primer Renacimiento Masaccio. El fresco se encuentra pintado sobre la pared de la iglesia de Santa María del Carmine en Florencia, Italia, y representa una famosa escena de la biblia que se narra en el Génesis, la expulsión del paraíso.
Se pretende representar el pecado original y como este aleja al hombre de Dios. La escena está cargada de dramatismo, se destaca la actitud de los rostros de ambos personajes de arrepentimiento, además el paisaje donde caminan las figuras desnudas, además el gran arco de donde son expulsados que ya denota una inusual perspectiva típica del Quattrocento.
Pago del tributo
Es otra obra característica del renacimiento, pues contiene una de las escenas más famosas de los frescos pintados por Masaccio, está situada en el compartimento superior del lateral izquierdo de la capilla Brancacci.
Masacio tiene un estilo dominado por el realismo y la sobriedad, por la solidez formal y sus efectos de luz. Se le emparenta en cierto modo con Giotto, si bien en Masaccio no falta el aporte intelectual y humanista de los grandes pioneros del Quattrocento.
El tributo de la moneda representa uno de los episodios de la llegada de Jesús con sus apóstoles a Cafarnaum, narrado por San Mateo, en él se cuenta el milagro que se produce cuando el recaudador de impuestos exige a Jesús el pago del impuesto del tributo. Éste pide al apóstol Pedro que saque la moneda con la que pagarlo, del vientre de un pez que tenía que pescar en el río que se ve en la escena, hecho que definitivamente ocurrió.
Masaccio representa en un solo espacio tres acontecimientos sucesivos. El fresco yuxtapone tres escenas del Evangelio según Mateo que se desarrollan en el tiempo y queaparecen unidas mediante gestos.
Paolo Uccello
Pintor italiano. La primera noticia documental que se tiene de Paolo Uccello es de 1412 y lo sitúa en el taller de Ghiberti, donde debió de formarse, aunque no consta que fuera escultor.
En 1425 estaba en Venecia trabajando en unos mosaicos para San Marcos, que no se conocen. En 1432, de nuevo en Florencia, Paolo Uccello realizó el luneto de la Creación en el Claustro Verde de Santa Maria Novella, una obra llena de expresividad pero todavía algo tosca.
Su primera obra maestra corresponde al año 1436: el enorme fresco para la catedral de Florencia en el que representó al condotiero Giovanni Acuto; la figura del condotiero a caballo es poderosa y está bien definida, pero lo que da la medida de su genio es el escorzo del cofre situado sobre una ménsula. En este escorzo se advierte ya la fascinación que sentía Uccello por la perspectiva, que es de hecho el rasgo esencial de su obra pictórica, lo que da a sus realizaciones una singular originalidad e incluso algunas notas de excentricidad por los extremos a los que llevó los efectos de profundidad.
Obras
La batalla de San Romano
La obra que plasma con mayor elocuencia esta atracción por la perspectiva, y también la más admirada de Uccello, son las tres tablas de La batalla de San Romano (un enfrentamiento armado entre Florencia y Siena), donde las armas rotas, los cadáveres y las patas de los caballos aparecen situados en un escenario enmarañado y complejo.
San Jorge y el Dragon
Monumento funerario a Sir John Hawkwood
Es un fresco de Paolo Uccello, en conmemoración al condotiero inglés John Hawkwood, encargado en 1436 por la Basílica de Santa María del Fiore de Florencia. La importancia del fresco reside en que es un importante ejemplo del arte conmemorativo al soldado mercenario en la Península italiana y es un trabajo seminal en el desarrollo de la perspectiva en el arte.
El fresco suele ser citado como una forma de "propaganda florentina" por la apropiación de soldados extranjeros como héroes florentinos. Esto implicó la promesa de los otros condotiero a conseguir un potencial premio por servir a Florencia. El fresco también ha sido interpretado como un producto de competición interna política entre los Albizzi y los Médici, familias del Renacimiento florentino.
Fra Angelico
Pintor italiano. No se le atribuye ninguna obra hasta 1420 (relicarios para Santa Maria Novella). Se orientó hacia un arte expresivo, instalado en el espacio y bañado por la dulce luz florentina, que no atenúa en absoluto la solidez de la composición y la firmeza de los volúmenes. Todas estas cualidades aparecen con gran evidencia en sus obras fundamentales: Descendimiento (c. 1440), Lamentación sobre el cuerpo de Cristo (1440-1445), La coronación de la Virgen (antes de 1445), la serie de pinturas realizadas para las celdas del convento de San Marcos de Florencia y La Anunciación del Museo del Prado. Las virtudes espirituales del pintor armonizan con la frescura y la delicadeza de sus coloridos, con la elegancia del dibujo y con esa manera tan suya de ocupar el espacio con el mínimo de medios y de efectos.
Obras
La Anunciación
Tema que se completa con las escenitas del banco o predela, otra tabla más estrecha situada debajo del tema principal. Estas escenas son, por orden de lectura, el Nacimiento de María, sus desposorios con José, la Visitación a Santa Ana, la Epifanía de Jesús, la Purificación y el Tránsito del alma de María tras su muerte. En esta última escena es de destacar cómo su hijo, Jesucristo, recoge desde el cielo el alma de la madre, que asciende. En la tabla principal se puede contemplar junto a la Anunciación una escena secundaria, que muestra el momento de la expulsión de Adán y Eva del paraíso. Las dos escenas se conjugan fingiendo que Adán y Eva se encuentran en el exterior del mismo ámbito, en el jardín al que se abre el pórtico donde la Virgen recibe al arcángel. Esto es un recurso que utiliza el fraile para simbolizar el pecado original cometido por Adán y Eva, y su redención en la tierra, que es la encarnación de Cristo en María. Así nos cuenta simultáneamente el principio y el final del Antiguo Testamento, al tiempo que anuncia el Tiempo Nuevo, tras la venida de Dios a la tierra. Fra Angelico establece una jerarquía de tamaños para establecer un orden temporal: las figuras más pequeñas -Adán y Eva- son las más remotas en el tiempo; las mayores son las más cercanas al cristiano, así como las más importantes en la acción. El marco arquitectónico en el que se desarrolla no es más que una mera referencia espacial, que se ve desbordada por las propias figuras: si la Virgen se pusiera en pie no cabría en la estancia. Las columnas son funcionalmente imposibles, porque sus fustes son demasiado delgados para sostener el techo. Los colores, la elegancia de la habitación es una alusión a un marco refinado, principesco y tocado por la divinidad, el único posible para el misterio de la concepción de María. También los riquísimos ropajes que llevan el arcángel y la Virgen remiten a una imagen noble de los personajes.
El nombre de San Juan Bautista
Los santos Cosme y Damián ante Lisias
Sandro Boticelli
Apodado Sandro Botticelli, fue un pintor cuatrocentista italiano. Menos de cien años después, este movimiento, bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici, fue considerado por Giorgio Vasari como una "edad de oro", un pensamiento que convenientemente encabezaba su Vita de Botticelli. Su reputación póstuma disminuyó, siendo recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas.
En 1481 fue llamado a Roma para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina del Vaticano, donde pintó los frescos Las pruebas de Moisés, El castigo de los rebeldes y La tentación de Cristo. En la década de 1490, tras la expulsión de los Medici de Florencia, y cuando el monje dominico Girolamo Savonarola predicaba la austeridad y la reforma, sufrió una crisis religiosa, aunque no abandonó la ciudad.
Son de destacar obras posteriores, como la Pietá (principios de la década de 1490, Museo Poldi Pezzoli, Milán) y sobre todo la Natividad mística (década de 1490, National Gallery, Londres) y la Crucifixión mística (c. 1496, Fogg Art Museum, Cambridge, Massachusetts).
Fue acusado anónimamente, en 1502, ante la Uffiziali di Notte, institución donde los ciudadanos denunciaban crímenes reales o imaginarios, por un acto de sodomía con uno de sus ayudantes.
Sandro Botticelli falleció en Florencia el 17 de mayo de 1510.
La Primavera
En 1481 fue llamado a Roma para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina del Vaticano, donde pintó los frescos Las pruebas de Moisés, El castigo de los rebeldes y La tentación de Cristo. En la década de 1490, tras la expulsión de los Medici de Florencia, y cuando el monje dominico Girolamo Savonarola predicaba la austeridad y la reforma, sufrió una crisis religiosa, aunque no abandonó la ciudad.
Son de destacar obras posteriores, como la Pietá (principios de la década de 1490, Museo Poldi Pezzoli, Milán) y sobre todo la Natividad mística (década de 1490, National Gallery, Londres) y la Crucifixión mística (c. 1496, Fogg Art Museum, Cambridge, Massachusetts).
Fue acusado anónimamente, en 1502, ante la Uffiziali di Notte, institución donde los ciudadanos denunciaban crímenes reales o imaginarios, por un acto de sodomía con uno de sus ayudantes.
Sandro Botticelli falleció en Florencia el 17 de mayo de 1510.
La Primavera
La primavera es una de las obras maestras del pintor renacentista Italiano Sandro Botticelli. Está realizado altemple de huevo sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho y fue realizada entre 1480 y 1481.
En el centro aparece Venus, la diosa del amor; a la derecha Cérifo el viento que persigue a la ninfa de la Tierra, Cloris, que al ser tocada por él se transforma en Flora, diosa dela vegetación y de las flores, sobre Venus esta Cupido, que dirige sus flechas a las tres Gracias, en concreto a la del centro, Castitas, que mira al dios Mercurio, mensajero de los dioses y nexo entre cielo y tierra.
Sus paisajes son primaverales, glorificación del cuerpo desnudo, sensualidad de sus figuras, profundidad de sus obras en cuanto a paisaje y volumen en sus ropajes.
Los rostros que denotan sentimientos, transparencia en sus telas, figuras estilizadas.
Se desarrolla en el renacimiento por lo tanto se inspira en la antigüedad clásica, es importante la representación humana, observación e imitación de la naturaleza, además hay el desarrollo del arte gracias al apoyo de los mecenas.
El Nacimiento de la Venus
Tamaño: 172 x 278cm.
El tema que representa: diosa del amor de la mitología romana.
La técnica empleada: temple.
El soporte sobre el que se realiza: lienzo.
El color: contraste entre el fondo de colores fríos y los colores cálidos y dorados en primer plano.
La luz: múltiple, penetra del lado izquierdo del cuadro, el fondo tiene una luz de ambiente y los arboles tienen una luz superior.
La perspectiva: el fondo, ya separado por la línea, insinúa una ligera perspectiva, tanto por la presencia de las olas del mar que se van reduciendo en tamaño y también como la tierra, hacia el lado izquierdo del cuadro, va disminuyendo en tamaño y agrisándose hacia atrás.
El volumen: las formas blandas, el constante movimiento y los sutiles volúmenes, sumergen en la contemplación donde lo sagrado y lo profano se desfiguran y se empiezan a entremezclar.
La composición: es piramidal, los tres elementos del primer plano están dispuestos de tal forma que entre ellos se genera un triángulo visual.
Venus y Marte
Botticelli escoge para esta ocasión una temática mitológica con un fuerte significado simbólico. La escena se desarrolla en una pradera con un bosque de mirtos (el árbol de Venus) al fondo. Venus, diosa del amor aparece tumbada junto a Marte, dios de la guerra que ha caído derrotado frente a la dulzura y gracia de la diosa. Es el triunfo del amor sobre la guerra. Venus, más incorporada y con una ligera sonrisa que nos anuncia su victoria mira al dios de la guerra que duerme profundamente mientras, alrededor de los amantes, unos pequeños sátiros juegan divertidos con la armadura del dios e intentan despertar al dios de su profundo sueño.
Andrea Mantegna
El joven pintor ya tenía entonces una personalidad claramente definida, como lo demuestran algunas de sus primeras obras, entre ellas el Retablo de san Zeno(Verona) y la Oración en el huerto. En el Retablo de san Zeno, los tres elementos plásticos fundamentales (dibujo, luz y color) están perfectamente definidos, como es habitual en toda la obra de Mantegna; además, los colores son vivos e intensos, destinados a precisar con fuerza el volumen de las figuras.
Obras:
Retablo de San Zenón
Poco tiempo después, y apenas finalizados sus trabajos en la Capilla Ovetari, le es encargada a Mantegna la realización de un retablo para la iglesia de San Zenón de Verona.
Realizado en su taller de Padua y enviada una vez finalizada a Verona en el año1459, está considerado el primer retablo plenamente renacentista del norte de Italia, presentando una disposición arquitectónica de tres calles separadas por columnas clásicas y un remate a modo de frontón semicircular.
En el cuerpo superior preside la imagen de la Virgen con el Niño flanqueada por los Apóstoles divididos entre las dos tablas laterales, mientras que en la predela, aparecen las escenas de la Oración en el Huerto, la Crucifixión y la Resurrección de Cristo.
Cristo Muerto
En el Cristo Muerto, Mantegna pone sobre la mesa de manera definitiva lo que serán las señas de identidad de su obra durante su madurez, como es el virtuosismo en el estudio de la perspectiva, el profundo conocimiento de los volúmenes del cuerpo humano, así como la capacidad de captar con enorme realismo hasta el más mínimo detalle.
Los triunfos de Cesar
Tras el breve mandato de Federico, ascendería al trono, siendo aún adolescente, Francisco II Gonzaga, cuyas hazañas militares pese a su bisoñez le habían hecho merecedor del apelativo del "Nuevo César" por parte del poeta Ercole Strozzi.
Por esta razón, el joven Francisco encargaría a Mantegna la que, a la postre, se convertiría en su obra cumbre: una colección de nueve lienzos en los que se representaban distintos episodios relacionados con la vida del emperador romano Julio César.
El encargo de los Triunfos de César, iniciado en 1485, se dilataría hasta prácticamente la muerte del artista (de hecho el décimo triunfo ya no es obra suya), siendo trasladados poco después desde el Palacio Ducal al recién terminado Palacio de San Sebastián. En la actualidad los nueve lienzos se conservan en el Palacio Real de Hampton Court de Londres.
Leonardo Da Vinci
Tenía una enorme curiosidad que se manifestó tempranamente, dibujando animales mitológicos de su propia invención, inspirados en una profunda observación del entorno natural en el que creció. Cuando tenía 14 años su padre lo autorizo de ingresar al taller de Andrea del Verrocchio, en donde aprendió pintura, escultura, técnicas y mecánicas de la creación artística.
El primer trabajo suyo del que se tiene certera noticia fue la construcción de la esfera de cobre proyectada por Brunelleschi para coronar la iglesia de Santa Maria dei Fiori. Junto al taller de Verrocchio, además, se encontraba el de Antonio Pallaiuollo, en donde Leonardo hizo sus primeros estudios de anatomía, y, quizá, se inició también en el conocimiento del latín y el griego.
No tarda en superar a su maestro: en el Bautismo de Cristo, por ejemplo, donde un dinámico e inspirado ángel pintado por Leonardo contrasta con la brusquedad del Bautista hecho por Verrocchio. Aunque practico las tres artes plásticas, no se ha conservado ninguna escultura suya y parece que ninguno de los edificios que diseño se llegó a construir. Es por eso que la obra pictórica de Leonardo da Vinci es la que le ha hecho destacar como personaje cumbre en la historia del arte.
Debido a una veintena de cuadros conservados, entre los cuales destacan La Gioconda o Mona Lisa, La Anunciación, La Virgen de las Rocas, La Santa Cena, La Virgen y Santa Ana, La Adoración de los Magos, el Retrato de Ginebra Benzi. Son composiciones muy estudiadas, basadas en la perfección del dibujo y con un cierto halo de misterio, en las que la gradación del color contribuye a completar el efecto de la perspectiva; en ellas introdujo la técnica del sfumato, que consistía en prescindir de los contornos nítidos de la pintura del «Quattrocento» y difuminar los perfiles envolviendo las figuras en una especie de neblina característica. El propio Leonardo teorizó su concepción del arte pictórico como «imitación de la naturaleza» en un Tratado de pintura que sólo sería publicado en el siglo XVII.
Interesado por todas las ramas del saber y por todos los aspectos de la vida, los apuntes que dejo
A partir de 1517 su salud, hasta entonces inquebrantable, comenzó a desmejorar. Su brazo derecho quedó paralizado; pero con su incansable mano izquierda Leonardo aún hizo bocetos de proyectos urbanísticos, de drenajes de ríos y hasta decorados para las fiestas palaciegas.
El 2 de mayo de 1519 murió en Cloux; su testamento legaba a Melzi todos sus libros, manuscritos y dibujos, que éste se encargó de retornar a Italia.
La Gioconda
Realizada aproximadamente en el año de 1503 y 1506 por Leonardo Da Vinci. La obra del renacimiento italiano de la época del “cinquecento”, con técnica al óleo sobre tabla, dimensiones aproximadas 77x53cm. Actualmente ubcado en el museo de Louvre, en Paris.
Es un retrato donde se encuentra una mujer Madonna Lisa, esposa de Francesco del Giocondo, aunque algunos afirman que es el auto-retrato de Da Vinci con apariencia de mujer.
La ultima cena
Pintura realizada en el año de 1495 y 1497, ya no se encuentra en buen estado.
Representa la última cena que Jesús celebra en compañía de sus discípulos. No aísla a Judas al otro lado de la mesa. Cristo es el centro de atención, formando un perfecto triángulo equilátero, el cuadro representa las reacciones de los apóstoles ante la noticia de que Jesús iba a ser traicionado. La técnica es al fresco sin embargo probo una técnica de óleo sobre el muro pero se empezó a deteriorar rápidamente toda la escena.
Hay un fuerte rigor geométrico, una simetría marcada por Cristo como eje. Sigue con su técnica del sfumato, en cuanto al color se realza la figura de Cristo usando el azul y rojo en sus vestimentas. El resto del cuadro posee tonos terrosos más bien de carácter neutro.
La Virgen de las Rocas
A Leonardo se le pidió que pintara una Virgen y un niño con ángeles, pero en su lugar creó algo más ambicioso y menos comprensible – una Virgen de rodillas con el Niño Jesús, un solo ángel, y el niño San Juan Bautista.
La Virgen arrodillada, una Virgen humilde, no era un tema nuevo. Usualmente a la Virgen se la mostraba adorando al Niño Jesus, pero en esta pintura, ella esta mirando a Juan Bautista con sus ojos bajos y abrazándolo al mismo tiempo.
El tema es oscuro y poco convencional. Este artista no compartía ni la creencia típica renacentista de devoción cristiana, ni la admiración por la antigüedad. Su inspiración proviene de la naturaleza, y esto es lo que esta reflejado en ambos cuadros.
Miguel Angel
Miguel Ángel Bounarrotifue un escultor, pintor y arquitecto italiano del siglo XV y XVI (nació el 6 de marzo de 1475 y murió el 18 de febrero de 1564) conocido principalmente por la escultura de “El David” y la obra pictórica que recubre la bóveda de la Capilla Sixtina.
Nació en Caprese, municipio italiano de la provincia de Arezzo, denominado actualmente Caprese Michelangelo en su honor. Comenzó su formación como pintor a los 12 años en el taller de la familia Ghirlandaio y un año más tarde se adentraría en el mundo de la escultura a través de Bertoldo di Giovanni, el cuál le introduciría en el influyente círculo de los Médici. Desde entonces desarrolló una fructífera vida artística entre Florencia y Roma, de cuyo amplio legado destacan dos grandes obras: El David y la bóveda de la Capilla Sixtina.
La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de landaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo.
Michelangelo Buonarroti falleció en Roma el 18 de febrero de 1564. Sus últimos años los dedicó a la arquitectura hasta que falleciera en Roma a los 88 años de edad.
Nació en Caprese, municipio italiano de la provincia de Arezzo, denominado actualmente Caprese Michelangelo en su honor. Comenzó su formación como pintor a los 12 años en el taller de la familia Ghirlandaio y un año más tarde se adentraría en el mundo de la escultura a través de Bertoldo di Giovanni, el cuál le introduciría en el influyente círculo de los Médici. Desde entonces desarrolló una fructífera vida artística entre Florencia y Roma, de cuyo amplio legado destacan dos grandes obras: El David y la bóveda de la Capilla Sixtina.
La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de landaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo.
Michelangelo Buonarroti falleció en Roma el 18 de febrero de 1564. Sus últimos años los dedicó a la arquitectura hasta que falleciera en Roma a los 88 años de edad.
Techo de la capilla sixtina (Creación de Adán)
Es un fresco realizado por Miguel Ángel, del renacimiento italiano, realizada aproximadamente en 1510, ubicado en la Capilla Sixtina. Es un pasaje bíblico.
El cuadro se compone de dos mitades una zona derecha y una izquierda. En la derecha se encuentra Dios y en la izquierda se ubica Adán. Dios está representado por un anciano vestido con una túnica y barba blanca, en vuelto en una túnica purpura que comparte con varios querubines, su brazo izquierdo abraza a una mujer, que se presume que sería Eva. Su brazo derecho, extendido, pretende dar vida a Adán. Los de dos de ambos no contactan aunque a distancia lo parecen. Adán esta tumbado en la tierra.
La Piedad
La escultura relata a la virgen que recoge en su regazo el cuerpo de su hijo muerto, tras el descendimiento de la Cruz.
Recrea una imagen de melancolía, recogida tal vez de alguno de los Evangelios apócrifos en los que la Virgen recuerda la primera vez q tuvo a su hijo recién nacido entre los brazos, está hecha en mármol, tallada y pulida en ciertas zonas para dejar resbalar la luz. Pensado para su contemplación frontal. Su composición es clásica inscrita en un triángulo equilátero que le da la estabilidad.
El modelado del material difiere según sus zonas, dando un mayor volumen en los paños bajos (para dar mayor estabilidad visual) y siendo más suave en los cuerpos y paños superiores, que han sido muy pulidos para que la luz refleje y suavice las formas.
El David
La estatua que representa al Rey David en su enfrentamiento al gigante Goliat, mide nada menos que4,10 metros de altura con un peso de 5,5 toneladas. Fue tallado sobre un bloque de mármol de Carrara, que para los romanos de entonces se denominaba “mármol lunense”. Hoy en día el viejo David de Miguel Ángel posee más de 510 años y su anatomía conlleva algunos trazos más bien extraños.
Para empezar y, según los escultores especializados, su cabeza es demasiado grande para la edad que representa, en lo que además tiene los brazos demasiado largos, y las manos desproporcionadas. Las caderas también son demasiado delgadas si las comparamos con su torso. No obstante, no cabe duda que la escultura está esculpida de manera muy minuciosa y detallada a pesar de haber sido levantada sobre un bloque de mármol abandonado durante más de 40 años en los talleres del Duomo de Florencia. Si nos fijamos un poco más, podemos observar que sus ojos están cargados de dramatismo.
Aunque su musculatura y anatomía lo hacen estar en continua tensión, ni las marcas de los tendones ni las venas le hacen parecer violento.
Rafael Sanzio
Rafael Sanzio nace en Urbino en 1483, hijo del pintor Giovanni de Santi, quien lo encamino hacia el mundo del arte. Posteriormente paso al aprendizaje con Timoteo Viti antes de ser enviado a Perugia a formarse en compañía de Pietro Vannucci, mas conocido como El Perugino.
Pronto alcanzara al maestro, durante toda la etapa inicial de formación del artista va a ser apreciable la influencia del estilo peruginesco en su obra, influenica del que no se sobrepondrá hasta que no viaje a Florencia, conozca la obra de Leonardo y trabe amistad con diferentes artistas que resultaran del mismo modo influyentes en su pintura (como Fra Bartolomeo) y el mismo Miguel Angel.
De entre sus obras de este período (El sueño del caballero, Las tres Gracias), las más celebradas son sus variaciones sobre el tema de la Virgen y la Sagrada Familia. Los personajes sagrados, dotados de cautivadores toques de gracia, nobleza y ternura, están situados en un marco de paisajes sencillos y tranquilos, intemporales. En estas telas, Rafael da muestras de su inigualable talento para traducir a un lenguaje sencillo y asequible los temas religiosos. Su maestría en la composición y la expresión y la característica serenidad de su arte se despliegan ya en plenitud en la Madona del gran duque, La bella jardinera o La Madona del jilguero, entre otras obras.
En 1508, el papa Julio II lo llamó a Roma para que decorara sus aposentos en el Vaticano. Aunque contaba sólo veinticinco años, era ya un pintor de enorme reputación. En las habitaciones de Julio II, conocidas en la actualidad como Estancias del Vaticano, Rafael pintó uno de los ciclos de frescos más famosos de la historia de la pintura.
Rafael muere en 1520, cuando estaba pintando la que será su última e inconclusa obra, la Transfiguración, dejando tras de sí un buen número de seguidores que tratarán de imitar su estilo en los años venideros.
Pronto alcanzara al maestro, durante toda la etapa inicial de formación del artista va a ser apreciable la influencia del estilo peruginesco en su obra, influenica del que no se sobrepondrá hasta que no viaje a Florencia, conozca la obra de Leonardo y trabe amistad con diferentes artistas que resultaran del mismo modo influyentes en su pintura (como Fra Bartolomeo) y el mismo Miguel Angel.
De entre sus obras de este período (El sueño del caballero, Las tres Gracias), las más celebradas son sus variaciones sobre el tema de la Virgen y la Sagrada Familia. Los personajes sagrados, dotados de cautivadores toques de gracia, nobleza y ternura, están situados en un marco de paisajes sencillos y tranquilos, intemporales. En estas telas, Rafael da muestras de su inigualable talento para traducir a un lenguaje sencillo y asequible los temas religiosos. Su maestría en la composición y la expresión y la característica serenidad de su arte se despliegan ya en plenitud en la Madona del gran duque, La bella jardinera o La Madona del jilguero, entre otras obras.
En 1508, el papa Julio II lo llamó a Roma para que decorara sus aposentos en el Vaticano. Aunque contaba sólo veinticinco años, era ya un pintor de enorme reputación. En las habitaciones de Julio II, conocidas en la actualidad como Estancias del Vaticano, Rafael pintó uno de los ciclos de frescos más famosos de la historia de la pintura.
Rafael muere en 1520, cuando estaba pintando la que será su última e inconclusa obra, la Transfiguración, dejando tras de sí un buen número de seguidores que tratarán de imitar su estilo en los años venideros.
La transfiguración
Última obra de Rafael, antes de su muerte por lo que quedó inconcluso, se presenta en dos planos uno superior y uno inferior. El superior representa lo divino, el inferior lo terrenal.
La parte superior de la pintura muestra la trasfiguración de Jesús, flotando en frente de nubes suavemente iluminadas, perdiendo la materialidad para mostrarse como Dios entre los profetas Moisés y Elías con quienes conversa según el evangelio de Mateo (Mt 17, 1-13).
Bajo la escena divina y recostados en lo alto del monte se encuentran los tres discípulos que han acompañado a Jesús (Pedro, Santiago y Juan) que muestran una actitud de sorpresa, de contemplar algo extraordinario difícil de comprender. En la parte inferior, Rafael representa a los Apóstoles intentando liberar a un niño poseído de los demonios o epiléptico, pero nadie es capaz de curarlo.
La escuela de Atenas
Tamaño: 500 cm × 770 cm.
El tema que representa: se narra una sesión entre los filósofos clásicos.
La técnica empleada: pintura al fresco.
El soporte sobre el que se realiza: mural.
El color: predominio de colores cálidos.
La luz: uniforme.
La perspectiva: lineal, Platón y Aristóteles están en el centro ideal de la perspectiva de toda la composición encuadrados en el fondo del cielo por el último arco.
El volumen: existe una profundidad y perspectivas asombrosas, que logra pintando arcos sostenidos sobre columnas.
La composición: simétrica, toda la composición del fresco converge en el centro por donde pasean Platón y Aristóteles.
Los Desposorios de la Virgen
En los Desposorios de la Virgen se ha querido ver el manifiesto de los principios del arte renacentista italiano. Rafael recoge todos los avances desarrollados durante el Quattrocento para realizar una obra de perfección extraña. Lo que más suele destacarse de la composición es la presencia del templo circular al fondo de la escena, por encima de los personajes. Posee todos los rasgos clasicistas que se pretendían aplicar a la arquitectura renacentista: la planta central (ver los dos diseños para iglesias de Leonardo da Vinci), arcos de medio punto, proporciones basadas en el cuerpo humano, accesibilidad e iluminación natural... Este tipo de templo simboliza la perfección divina, que a su vez es la que representa la Virgen, sin pecado, o el mismo sacramento del matrimonio, la unión de los contrarios para producir un ser perfecto. La explanada donde se encuentran las figuras posee unas baldosas rectangulares que permiten representar la proyección del espacio en perspectiva hacia un punto de fuga central, que se encuentra situado en la puerta abierta del templo que da al paisaje del fondo. Los personajes están situados en un friso horizontal, simétricamente distribuidos a los lados del sacerdote, a un lado las mujeres y al otro los hombres. Para romper algo la monotonía de esta distribución, Rafael ha pintado grupos de paseantes en toda la explanada y las escalinatas del templo. La tabla fue encargada a Sanzio por la familia Albizzini para la iglesia de San Francisco en Città di Castello, permaneciendo allí hasta 1798, cuando formó parte del botín napoleónico y fue vendida por 50.000 liras a un mercader. La idea de la composición está inspirada en laEntrega de las llaves que Perugino pintó en las paredes de la Capilla Sixtina.
Tiziano
Pintor italiano. Aunque Tiziano alimentó durante los últimos años de su vida la idea de que había nacido en 1475, para hacer creer que era un anciano venerable e inspirar respeto y compasión, la crítica moderna ha establecido casi con total seguridad que nació en 1490 y que murió a una edad más que respetable, con ochenta y seis años. Recibió su primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del que salió a los dieciocho años para integrarse en la escuela de Giorgione.
Obras
Venus de Urbino
Baco y Ariadna
Amor sacro y amor profano
La tela recoge una escena con tres figuras: dos mujeres y un niño alrededor de una fuente de piedra ricamente decorada, situados en un paisaje iluminado por una puesta de sol. Las mujeres, de belleza renacentista, son de similares características, habiéndose pensado en ocasiones que se trata de la misma persona.
Tintoretto
En su infancia Jacopo, un pintor innato, comenzó a pintarrajear sobre las paredes de la tintorería; su padre, dándose cuenta de esta inclinación, lo llevó al taller de Tiziano a ver si podía aprender a ser artista. Cabe suponer que esto ocurrió en torno a 1533, cuando Tiziano tenía ya (de acuerdo con el cálculo usual) cincuenta y seis años de edad.
Alumno de Tiziano aunque no por mucho tiempo, se dice que aprendió de su maestro el arte del color y las sombras. Las relaciones entre Tiziano y Tintoretto fueron distantes a lo largo de su vida, siendo de hecho Tintoretto un admirador profeso y ardiente de la obra de Tiziano, pero nunca un amigo, y Tiziano y sus partidarios le volvieron la espalda. No faltó tampoco una abierta denigración, pero Tintoretto no le prestó atención. No buscó otro maestro, sino que estudió por cuenta propia con celo laborioso; vivió pobremente, coleccionando moldes, bajorrelieves, etc. para practicar con su ayuda. Observando un cuadro del Tintoretto se puede ver que, en comparación con obras de Tiziano, su objetivo era transimitir emociones más que adaptarse a los cánones de belleza de la época.
Obras
El Lavatorio
San Marcos liberando al esclavo
Es uno de los cuadros más conocidos del pintor Italiano Tintoretto. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 416 cm de alto y 544 cm de ancho. Fue pintado en1548,1 encontrándose actualmente en la Galería de la Academia de Venecia, Italia.
Es uno de los primeros cuadros realizados por Tintoretto sobre el patrono de Venecia, Marcos el Evangelista, que según la tradición, predicó en Alejandría (Egipto). Entre 1548 y 1563, Tintoretto ejecutó diversos lienzos sobre la vida de san Marcos. Son representaciones caracterizadas por una acción vehemente, desconocida hasta entonces en la pintura veneciana, con violentos escorzos. Fue pintado para laScuola Grande di San Marco en Venecia, guardada en ese momento por Marco Episcopi, futuro padrastro del artista.1
San Marcos liberando al esclavo es una obra maestra innovadora que asienta su estilo y consagró al maestro. Fue muy celebrada, representando en la actualidad una de las obras más destacadas de la Galería de la Academia de Venecia, que la presenta en la misma sala que Cena en casa de Leví (1573) de Veronés.
La ultima cena
Tintoretto representó la escena en un interior clasicista, en la estancia son apreciables las columnas clásicas con la techumbre casetonada de madera. La mesa se dispone en una fuerte diagonal con los personajes diseminados a su alrededor ocupando gran parte del espacio. Los apóstoles se presentan en grupos animados por una elocuente conversación que permite establecer relación entre los personajes, tan sólo Judas el traidor que está sentado en el lado contrario de la mesa parece quedarse más al margen.
ESCULTURA
Donatello
Nacido en Florencia alrededor del año de 1386, ya desde joven es posible encontrarle ejerciendo el oficio de escultor (hacia 1407 aparece documentado en el taller de la Catedral de Florencia, para la que realizará una serie de estatuas que dejan entrever lo que será su posterior evolución).
Preocupado por el movimiento y el naturalismo desde los comienzos de sus trayectoria, en 1410 el encargo de una escultura para un nicho de la fachada de Or San Michele le va a permitir continuar ensayando modos de representación de la estatuaria de gran tamaño, dando lugar a la ejecución, entre otras obras, de un San Marcos o un excepcional y plenamente renacentista San Jorge (1417). Se cree que sobre estos años comenzaría también la realización, por encargo de la familia Cavalcanti, de la Anunciación de Santa Croce (aunque existen autores que datan la ejecución de esta pieza bastante más tarde, en la década de los cuarenta) y procedería a esculpir las estatuas para el Campanile florentino.
Habitualmente se ha establecido este periodo inicial como el de formación (en algunas de cuyas primerísimas obras aún pervivirían retazos góticos), considerándose su producción a partir de 1425 (fecha en la que comienza a trabajar con Michelozzo) propiamente clasicista. En la capital romana, ciudad a la que se trasladará con su nuevo colaborador hacia 1430 y donde habría pasado una estancia anteriormente con su amigo Brunelleschi estudiando el legado de la Antigüedad, dejará constancia de su maestría en piezas como El entierro de Cristo (1430-1433). Será a la vuelta cuando comience los relieves de la Cantoría de la Catedral de Florencia, en los cuales es apreciable el conocimiento de modelos clásicos.
OBRAS IMPORTANTES
EL DAVID DE BRONCE
Análisis de la obra
La actitud que presenta el cuerpo, apoyándose sobre la pierna derecha, es una influencia clara del estilo de Praxíteles, que se conoce en el mundo del arte como la “curva praxiteliana” o contrapposto, y que contribuye a romper la ley de la frontalidad proporcionando un movimiento más armónico al cuerpo. Consiste en representar la figura con una pierna ligeramente flexionada, innovación que se atribuye al escultor.
El modelado muscular es muy suave, difuminado, casi femenino y el acabado que presenta el bronce es todo liso para simular la suavidad de la piel y constituye un magnífico ejemplo de estatuaria en bronce.18
ANÁLISIS
Género y Temática: Esta escultura exenta, fundida en bronce, representa a un David muy joven (en realidad, un adolescene) que, después de haber derrotado a Goliat, le ha cortado la cabeza con su propia espada. David pisa la cabeza con aire pensativo y sostiene en sus manos la espada de Goliat y la honda con la que le dejó incosciente.
Acabado: El tratamiento general es sobrio, no obstante, la sencillez del desnudo se rompe con el calzado de David y el abigarrado adorno del yelmo de Goliat, trabajados al detalle con relieves historiados y adornos vegetales típicos del primer Renacimiento (llamados «in candelieri»). Además, David aparece graciosamente tocado con sombrero de paja típico de la Toscana, del que caen las guedejas del pelo; lleva, también una corona de hojas de amaranto, en clara alusión al heroísmo griego.
Forma y estilo: Donatello interpreta este tema bíblico (tomado del Primer libro de Samuel) como un desnudo clásico. De hecho, es el primer desnudo integral, de bulto redondo, que aparece en la escultura renacentista. Se trata de un desnudo ponderado, natural, pero muy expresivo debido a la firmeza de las líneas compositivas generales. Tiene, como hemos comentado antes, claras reminiscencias de la escultura clásica, especialmente de Praxíteles. El marcado y suave contrapposto parece inspirado en la conocida curva praxiteliana que Donatello debió conocer a través de copias romanas del citado escultor griego. La perfección anatómica, en la que el modelado muscular es muy suave, difuminado, casi femenino, parece tomado, también, de Praxíteles.
María Magdalena Penitente
cuyo expresionismo se puede comparar a las versiones barrocas de este mismo tema.
realizada en madera policromada, demacrada por el sufrimiento, vestida con una prenda de piel y con una larga cabellera cubriéndole el cuerpo, se encuentra de pie, con las manos extremadamente delgadas como en posición de oración, la expresión de su rostro revela el dolor y sufrimiento por el que ha pasado, con los ojos hundidos y una dentadura que se aprecia mellada a través de su boca entreabierta, extrema delgadez que también se aprecia en los brazos y piernas, donde se marcan los músculos anatómicos perfectos.
realizada en madera policromada, demacrada por el sufrimiento, vestida con una prenda de piel y con una larga cabellera cubriéndole el cuerpo, se encuentra de pie, con las manos extremadamente delgadas como en posición de oración, la expresión de su rostro revela el dolor y sufrimiento por el que ha pasado, con los ojos hundidos y una dentadura que se aprecia mellada a través de su boca entreabierta, extrema delgadez que también se aprecia en los brazos y piernas, donde se marcan los músculos anatómicos perfectos.
Andrea Verrochio
Autor del monumento ecuestre de bronce ubicado en el Campo dei Santi Giovanni e Paolo en Venecia. Sólo pudo hacer el modelo en arcilla de esta estatua, terminada tras su muerte por el escultor veneciano Alessandro Leopardi. Otras esculturas en bronce son el David (1470-1472, Museo Nacional del Barguello, Florencia) y Amorcillo con un delfín (c. 1476, para la fuente del patio del Palacio Vecchio, Florencia). Entre sus principales cuadros están Bautismo de Cristo (1470, Uffizi, Florencia) y numerosas versiones de la Virgen con el niño (National Gallery de Washington y Metropolitan Museum de Nueva York).
Verrocchio falleció el 7 de octubre de 1488 en Venecia.
Virgen con el niño
(1470, Temple sobre madera de álamo, Staatliche Museen, Berlín). Verrocchio muestra su maestría en la escultura y el relieve también en las dos dimensiones propias de la pintura, en esta Madonna y el niño cuida la composición en diagonal que une a la madre con su hijo. Su interés por el paisaje no es menor que el que muestra por la luz y el claroscuro. Pero también se muestra como maestro del detalle: el velo que cubre a la Virgen, los detalles de su vestido que se aprecian especialmente en las mangas,... muestran el virtuosismo del artistas y su dominio de la técnica.
El David
El tema que representa: aunque se trata de un tema bíblico, en este adolescente frágil y audaz se reconoce inmediatamente a un héroe de la Antigüedad clásica.
Forma: bulto redondo.
La técnica empleada: fundición.
Materiales: bronce.
Textura: lisa.
Volumen: se trata de una figura esbelta.
El color: estatua de bronce monocroma.
Composición y movimiento:
Luca Della Robbia
Escultor y ceramista italiano. Nació en Florencia en 1400 y murió en 1482.
Según Giorgio Vasari, Luca nació en el año 1399 en la casa de sus antepasados que se encontraba debajo de la iglesia de San Bernabé en Florencia. Fue educado, conforme a las costumbres de la época, hasta que aprendió no solo a leer, sino también a escribir y contar, como se solía hacer en casi todas las casa florentinas, por sus propios medios. Su padre le colocó, enseguida, para que aprendiera el oficio, en casa del orfebre Leonardo, hijo de Giovanni, considerado, por entonces en Florencia, como el mejor maestro en este arte.
Nacido en el seno de una familia de tintoreros (robbia significa "granza" en toscano, y esta palabra designa a una planta utilizada para teñir), empezó como escultor de mármol y estudió la escultura antigua. Luca Della Robbia realizó la Tribuna de los Cantores, en la Catedral de Florencia (1431), bajorrelieve muy importante que tenía que emplazarse encima de la puerta de la sacristía. La terminó hacia 1438-1439.
Obras
Meeting of Mary and Elisabeth
Cantoria
Es una obra esculpida para la Catedral de Santa María del Fiore en Florencia y ahora se conserva en el Museo dell'Opera del Duomo, frente a otro coro de Donatello. Considerada una de las obras maestras de principios del Renacimiento florentino, fue tallada entre 1431 y 1438 y es 348 cm de alto.
Giovanni Bellini
Obras
La transfiguración
La obra está firmada “IOANNES BELLI(NVS)” sobre un cartellino que está sobre la valla de madera
La tela representa el episodio bíblico de la Transfiguración en el que Jesucristo revela su naturaleza divina a tres discípulos (Pedro, Santiagoy Juan). Sobre este mismo tema de La transfiguración, Giovanni Bellini realizó otro cuadro, en 1455 y que se conserva actualmente en el Museo Correr de Venecia.
Las hojas del árbol que queda a la derecha, y los rostros de Pedro y Santiago son el resultado de una antigua restauración.
Destaca en esta obra el tratamiento de la luz que baña la composición, dulcificando el relieve de los planos del campo.
San Francisco en éxtasis
La obra está firmada “IOANNES BELLINVS” sobre un cartellino sobre un arbusto que queda abajo a la izquierda.
La tela representa a San Francisco de Asís mientras se encuentra en éxtasis recibiendo los[estigmas.
A la izquierda se encuentra un asno inmóvil que puede interpretarse como símbolo de humildad y paciencia o también la estupidez y la obstinación.
A la derecha, sobre un banco, se encuentra una calavera, símbolo de la muerte.
Es una de las obras que el artista realizó en torno al año 1480, como la Resurrección de Cristo que se conserva en los Museos de Berlín y elSan Jerónimo del Palacio Pitti, Florencia. Estas obras se caracterizan por enmarcar una amplia gama de sentimientos humanos en la variedad del campo y el cielo italianos. Cuida el detalle sin caer en lo anecdótico.
