LUIGI STORNAIOLO
Nació en Quito, el 9 de julio de 1956. Su padre fue Bruno Stornaiolo, de origen Nápoles, y su madre Angela Pimentel de origen guayaquileño.
Tocaba la guitarra, y algunas veces se dedico a la actuación.
Luigi, cuenta que descubrió su amor por el arte desde niño, cuando su padre le regalo un libro de dibujo. "A los siete años me enferme de gripe y tuve que guardar cama. Entonces mi padre me regalo un texto que se llama "como dibujar", para que no me aburra encerrado en mi cuarto.
Asi fue que empece a dar mis primeros trazos. Todavía guardo el regalo que me hizo mi padre"
Su relación con el fútbol encierra una curiosa paradoja: es, desde siempre, hincha de el Nacional capitalino, pero fue arquero del Barcelona, equipo barrial de Urdesa que disputaba diversos campeonatos amateur durante los setenta.
Estudio arquitectura en la Universidad Central del Ecuador y de historia del Arte en Europa. Su primera exposición individual la realizo en 1980, en Quito, en la Galería Club de Arte y la ultima en el 2011 en la sala "Juan Villafuerte" del Ministerio de Cultura.
Como autodidacta y gran admirador de Velazquez, Goya, Bruegel, Rembrant y Turner, empezó su carrera.
PALEOCRISTIANISMO
Características
Cristianismo
Esta arquitectura es muy variada. Para comprender la forma, la función y el significado de los templos cristianos, se debe de tener en cuenta tres aspectos:
1. Las ideas religiosas de la comunidad
2. Formas litúrgicas que la comunidad siembra
3. Contexto socio-urbano donde ellos están construidos
En el siglo V las iglesias cristianas empezaron un proceso de transformación. Hasta el año 313, se centro mas en la excavación de las catacumbas. Las catucumbas tenias diferentes niveles constructivos, en ellas también se encontraban espacio mas grandes que otros. Los nichos se enmarcaban en un arco solium, lo cual marcaba la jerarquía de carácter religioso.
Arte Carolingio
Mas que un estilo es un renacimiento. Presenta características del estilo románico. Usaron artistas de Ravena, los cuales utilizaron columnas y mármoles que utilizaron en sus obras.
Las obras que mas resaltan con el palacio y la basílica dedicada a la virgen. La basílica aun existe aunque se le han realizado remodelaciones.
Esta posea una cúpula, sus columnas son exhibidas tipo romano. Esta arquitectura se confunde con la alemana.
Románico
Construían templos perdurables con mayor grandeza, evitando así su posible destrucción. Esta arquitectura siguió un proceso de perfeccionamiento y de resolución de problemas, buscando la luz y la altura. Para lo cual el material que mas se utilizaba era la piedra. Otra condición era que el templo tenia que estar abovedado, este se hacia, una por la mayor relevancia simbólica y la otra para evitar incendios, ya que estas sufrían frecuentemente. Por eso era que los arquitectos construían grande muros macizos de piedra, para que estos soportaran las cargas de las bóvedas, los vanos eran de madera. Como consecuencia secundaria, el interior de los templos románicos se envuelven en una tamizada luz que invita al recogimiento. También esta luz difusa daba vida y "magia" a la policromía de las pinturas murales que cubrían sus muros
Gótica
Este de desarrolla en Europa. El arquitecto ya no tiene que pegarse a las formas regulares, trabaja de forma mas libre.
Esta arquitectura emplea sillares de piedra bien labrados. Sus elementos mas importantes son el arco apuntalado y la bóveda de crucería, formada por arcos diagonales llamados nervios. También se emplean otros tipos de arcos como el conopial y el carpenal, también bóvedas mas complejas y decorativas como sexpartitas y terceles.
Los elementos decorativos son muy variados, por ejemplo pináculos, tracerías caladas en las ventanas, vanos apntados, resonetes, gabletes, esculturas, vidrierías. Las fachadas se dividen en tantas zonas verticales, generalmente tres. Este sistema constructivo permite sustituir la horizontalidad del románico por una verticalidad y un sentido ascensional al que ayudan todos los elementos de la catedral. El Gótico es reflejo de una nueva espiritualidad. Los ventanales con vidrieras distribuyen y gradúan la luz en el interior de las catedrales, terminando con la penumbra románica y creando un espacio transfigurado, idealizado.
GOTICO EN LOS PAISES BAJOS
La arquitectura Gótica en los Países Bajos se halla en íntima relación con la que se dio en Francia durante los s. XIII y XIV. Ya en la segunda mitad de este último siglo y en els. XV, esta influencia se vio mediatizada por las aportaciones del arte alemán y del inglés, a pesar de que en los Países Bajos no aparecerán elementos tan característicos como las bóvedas de abanico.
Es una de las obras más conocidas del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo. Un óleo sobre tabla de 117 cm de alto x 162 cm de ancho, pintado hacia el año 1562. Escuela flamenca del siglo XVI.
Obra moral que muestra el triunfo de la Muerte sobre las cosas mundanas, simbolizado a través de un gran ejército de esqueletos arrasando la Tierra. Al fondo aparece un paisaje yermo donde aún se desarrollan escenas de destrucción. En un primer plano, la Muerte al frente de sus ejércitos sobre un caballo rojizo, destruye el mundo de los vivos, quienes son conducidos a un enorme ataúd, sin esperanza de salvación. Todos los estamentos sociales están incluidos en la composición, sin que el poder o la devoción pueda salvarles. Algunos intentan luchar contra su funesto destino, otros se abandonan a su suerte. Sólo una pareja de amantes, en la parte inferior derecha, permanece ajena al futuro que ellos también han de padecer.
La pintura reproduce un tema habitual en la literatura del medioevo como es la danza de la Muerte, que fue frecuentemente utilizado por los artistas nórdicos. Brueghel dotó a toda la obra de un tono pardo rojizo, que ayuda a dar un aspecto infernal a la escena, apropiado para el asunto representado. La profusión de escenas y el sentido moralizante utilizado por el autor, son parte de la influencia de El Bosco en su obra.
La pintura perteneció a la reina Isabel de Farnesio, quien la tenía en el Palacio de la Granjaen 1745.
El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un cuadro del pintor flamenco Jan van Eyck; fechado en 1434, representa al rico mercaderGiovanni Arnolfini y a su esposa Jeanne Cenami, que se establecieron y prosperaron en la ciudad de Brujas (hoy Bélgica), entre 1420 y 1472. Al día de hoy, los historiadores del arte discuten exactamente la imagen que el cuadro presenta; la tesis durante mucho tiempo dominante, introducida por Erwin Panofsky en un ensayo de 1934, sostiene que la imagen corresponde al matrimonio de ambos, celebrado en secreto y atestiguado por el pintor. Sin embargo, muchas otras interpretaciones se han propuesto acerca del cuadro, y el consenso actual es que la teoría de Panofsky es difícilmente sostenible.
En todo caso, la pintura —desde 1842 en la National Gallery de Londres tras desaparecer misteriosamente en 1813 del Palacio Real de Madrid— se considera una de las obras más notables de van Eyck. Es uno de los primeros retratos de tema no hagiográfico que se conservan, y a la vez una informativa escena costumbrista. La pareja aparece de pie, en su alcoba; el esposo bendice a su mujer, que le ofrece su mano derecha, mientras apoya la izquierda en su vientre. La pose de los personajes resulta teatral y ceremoniosa, prácticamente hierática; algunos especialistas ven en estas actitudes flemáticas cierta comicidad, aunque la extendida interpretación que ve en el retrato la representación de una boda atribuye a ello su aire pomposo.
Como autodidacta y gran admirador de Velazquez, Goya, Bruegel, Rembrant y Turner, empezó su carrera.
Su primera exposición en 1980 causó sensación en la ciudad, por su fortaleza y por que no se había visto nunca nada así.
Los cuadros de Stornaiolo se caracterizan por desmontar figuras icónicas y hacer una crítica de la sociedad actual a través de la sátira. El pintor ecuatoriano explota en sus lienzos el contraste cromático y utiliza, además, la estética de lo grotesco, sin convencionalidades. La obra de Stornaiolo ha sido catalogada como un neorrealismo social, sus cuadros transmiten una fuerza inimaginable, la mayoría en formatos grandes.
Los años siguientes han sido llenos de bohemia ilusión y trabajo constante, empezó a pintar cuadros de grandísimo formato, y de una fuerza increíble.
Desde ahí hasta ahora no ha dejado de hacerlo, son 28 años de trabajo, su ironía no ha dejado de cesar en su obra, nunca lo hará.
En diferentes tiempos y espacios pero así como Pablo Palacio con sus letras, Stornaiolo con sus cuadros testimonia la perspectiva urbana, la relación con la ciudad de Quito.Su obra es suficiente, lo dice todo, sin necesidad de mucha crítica ni hablada ni escrita, es esencialmente nuestro encuentro con las emociones que queremos desatar y “que no nos dejan”.
La edad media, también conocida como Medievo, es el período histórico de la civilización occidental comprendido entre el siglo V y el XV. Convencionalmente, su inicio es situado en el año 476 con la caída del Imperio romano de Occidente y su fin en 1492 con el descubrimiento de América, o en 1453 con la caída del Imperio bizantino, fecha que tiene la singularidad de coincidir con la invención de la imprenta y con el fin de la guerra de los Cien Años.
EDAD MEDIA
PALEOCRISTIANISMO
Estilo de arte que se desarrolla durante los seis primeros siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo, durante la dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros, aunque en Oriente tiene su continuación, tras la escisión del Imperio, en el llamado arte bizantino.
En Occidente, Roma es el centro y símbolo de la cristiandad, por lo que en ella se producen las primeras manifestaciones artísticas de los primitivos cristianos o paleocristianos, recibiendo un gran influjo del arte romano tanto en la arquitectura como en las artes figurativas
Características
- Se limitan a evocar un pequeño número de figuras y de diversos objetos.
- La variedad de colores es limitada.
- Es una pintura, que más que figurar, sugiere.
- Las figuras se dirigen al espectador. Normalmente están de frente, sin embargo no es lo mismo que frontalidad.
- La esencia de la divinidad es imposible de representar. Resulta difícil encontrar representaciones divinas, aunque a partir del s. IV podremos encontrarnos algunas representaciones.
- Desde un punto de vista formal es habitual la jerarquización de las figuras (siendo las figuras más importantes las más grandes), la perspectiva inversa (las figuras que están detrás tienen mayor tamaño), la desproporción, el interés en el gesto y, excepcionalmente, el desnudo, que iría desapareciendo poco a poco.
- Uso de catacumbas, que derivaría en panteones públicos.
Arquitectura
También llamada arquitectura cristiana primitiva, se realizo a finales del siglo III hasta el siglo VI, nacida para la necesidad de la construcción de la religión cristiana.
Aunque se originó en Siria y Egipto pasó rápidamente a Occidente y fue en Roma como centro de la cristiandad, donde se produjeron las primeras manifestaciones de monumentos de arquitectura en el ámbito de los cementerios o catacumbas, dentro de una etapa de clandestinidad debido a las persecuciones de que eran objeto los que practicaban la religión cristiana.
- Catacumbas._ fueron galerías subterráneas excavadas en el suelo, donde se efectuaban los enterramientos de los paganos, judíos y primeros cristianos en Roma tras la muerte de Cristo. Estaban situadas fuera de los muros de la ciudad, ya que la ley romana del Imperio no permitía los entierros dentro de la zona urbana por motivo religioso y de higiene.
- Basílicas._ Con la proclamación del Edicto de Milán, los cristianos pudieron practicar libremente sus cultos religiosos y para ello construyeron las basílicas tomando como modelo las que habían sido para los romanos centros civiles con actividades de mercado y como sala de justicia. Las de nueva construcción siguieron los mismos tipos con la diferencia de su utilización, para los cristianos en los edificios el culto y las asambleas se realizaban dentro de ellos, mientras que el culto grecorromano se efectuaba alrededor del templo.
Esta arquitectura es muy variada. Para comprender la forma, la función y el significado de los templos cristianos, se debe de tener en cuenta tres aspectos:
1. Las ideas religiosas de la comunidad
2. Formas litúrgicas que la comunidad siembra
3. Contexto socio-urbano donde ellos están construidos
En el siglo V las iglesias cristianas empezaron un proceso de transformación. Hasta el año 313, se centro mas en la excavación de las catacumbas. Las catucumbas tenias diferentes niveles constructivos, en ellas también se encontraban espacio mas grandes que otros. Los nichos se enmarcaban en un arco solium, lo cual marcaba la jerarquía de carácter religioso.
Arte Carolingio
Mas que un estilo es un renacimiento. Presenta características del estilo románico. Usaron artistas de Ravena, los cuales utilizaron columnas y mármoles que utilizaron en sus obras.
Las obras que mas resaltan con el palacio y la basílica dedicada a la virgen. La basílica aun existe aunque se le han realizado remodelaciones.
Esta posea una cúpula, sus columnas son exhibidas tipo romano. Esta arquitectura se confunde con la alemana.
Románico
Construían templos perdurables con mayor grandeza, evitando así su posible destrucción. Esta arquitectura siguió un proceso de perfeccionamiento y de resolución de problemas, buscando la luz y la altura. Para lo cual el material que mas se utilizaba era la piedra. Otra condición era que el templo tenia que estar abovedado, este se hacia, una por la mayor relevancia simbólica y la otra para evitar incendios, ya que estas sufrían frecuentemente. Por eso era que los arquitectos construían grande muros macizos de piedra, para que estos soportaran las cargas de las bóvedas, los vanos eran de madera. Como consecuencia secundaria, el interior de los templos románicos se envuelven en una tamizada luz que invita al recogimiento. También esta luz difusa daba vida y "magia" a la policromía de las pinturas murales que cubrían sus muros
Gótica
Este de desarrolla en Europa. El arquitecto ya no tiene que pegarse a las formas regulares, trabaja de forma mas libre.
Esta arquitectura emplea sillares de piedra bien labrados. Sus elementos mas importantes son el arco apuntalado y la bóveda de crucería, formada por arcos diagonales llamados nervios. También se emplean otros tipos de arcos como el conopial y el carpenal, también bóvedas mas complejas y decorativas como sexpartitas y terceles.
Los elementos decorativos son muy variados, por ejemplo pináculos, tracerías caladas en las ventanas, vanos apntados, resonetes, gabletes, esculturas, vidrierías. Las fachadas se dividen en tantas zonas verticales, generalmente tres. Este sistema constructivo permite sustituir la horizontalidad del románico por una verticalidad y un sentido ascensional al que ayudan todos los elementos de la catedral. El Gótico es reflejo de una nueva espiritualidad. Los ventanales con vidrieras distribuyen y gradúan la luz en el interior de las catedrales, terminando con la penumbra románica y creando un espacio transfigurado, idealizado.
GOTICO EN LOS PAISES BAJOS
Como en la mayoría de los países europeos, las primeras pinturas en los Países Bajos se pueden ver en las paredes de edificios religiosos. Estos eran en gran parte en forma de frescos y textos religiosos como manuscritos iluminados.
No fue sino hasta el siglo 15, cuando la región ganó la riqueza de sus operaciones marítimas, que la pintura en los Países Bajos entró en su propia, produciendo algunos de los más reconocidos e influyentes pintores de la época. La forma más temprana de esta pintura está en el trabajo de la Early Netherlandish pintores, trabajando a través del siglo 15. Este trabajo demostró diferencias decisivas de Renacimiento obras producidas en Italia en el momento. La influencia italiana y el Renacimiento afectado gradualmente estas obras de arte a través de los pintores manieristas de Amberes, y florecido en el Barroco con la obra de Rubens. Esta edad de oro de la pintura vio más distinciones en Obras de arte flamencas con la introducción de nuevos temas de la pintura con paisajes, naturaleza muerta y la pintura de género.
La edad de oro de la pintura en los Países Bajos se vio favorecido por la riqueza de la región en este momento así como la presencia del rey Felipe y la corte borgoñona, lo que permitió a los artistas de la corte florecer. La influencia del arte de los Países Bajos en la escena europea creció significativamente en este punto, con muchos de sus maestros ganan el respeto y siguientes de numerosos artistas italianos.
El crecimiento de la condición de "artista" en los Países Bajos se demuestra por el aumento de los artistas que firmen su nombre y pintura autorretratos.
Pintura
Uno de los aspectos más importantes del arte flamenca primitiva es su papel en la introducción de aceite pintura en el arte europeos. Contrariamente a la creencia popular, la pintura al óleo no fue inventada por los propios, un mito histórico común que atribuye Jan van Eyck como pintores flamencos inventor de la técnica. Sin embargo, los artistas primitivos flamencos fueron los primeros en hacer un modo útil de la pintura, y la perfección de Van Eyck de efectos nuevos y notables de la técnica jugaron un papel decisivo en este. Por la altura de las técnicas de la pintura de aceite del Renacimiento extendido por el norte de Europa y, finalmente, a Italia, casi sustituir completamente tempura pintura en el continente. Masterización temprana de Van Eyck de esta técnica ha llevado a él a menudo siendo conocido como el "padre de la pintura al óleo".
Pintura flamenca primitiva
Los primitivos flamencos se refiere a la obra de los pintores de los Países Bajos en el 15 y
16 siglos. El estilo flamenco distintivo que surgió en el siglo 15 era diferente a la de la Renaissance que ocurre en Italia en este momento. El estilo que surgió del manuscrito la iluminación y la corte borgoñona encarna ambas tradiciones artísticas medievales del norte
Europa con nuevos ideales renacentistas. De esta manera se clasifica tanto en virtud del gótico tardío y el estilo de principios del Renacimiento.
Características de la pintura flamenca primitiva son un observaron de cerca el realismo y la atención a detalle, colores ricos y brillantes, de materiales y tejidos y un simbolismo religioso elaborado *. La
Obras flamencas de esta época son predominantemente religiosa, y rara vez muestran la narrativa y mitología de los de Italia. Una de las novedades más significativas de esta escuela era su uso de la pintura de aceite en vez de tempera. El comienzo de este período está marcado por la obra de Jan Van Eyck y el fin por el de Gerard David en el siglo 16, y se centró principalmente en la ciudades florecientes de Brujas y Gante.
Obras no religiosas
Otras obras importantes que se desarrollaron durante este siglo incluyen el retrato, diseño de la tapicería y pinturas seculares. En el retrato, en particular, las ciudades ricas en los Países Bajos producen numerosos encargos privados tanto de carácter religioso y secular. Ejemplos notables de estos incluyen Antonio Moro (Mor), que alcanzó una reputación internacional como un retrato de corte pintor.
A mediados del siglo 16 el número de pinturas seculares aumentó y, en particular, una preocupación por la representación del paisaje y la naturaleza desarrolló. Estos intereses fueron evolucionando en las grandes obras de paisajes, naturaleza muerta y la pintura de género de la época barroca. Esto se puede ver en las obras de Joachim Patinir y Pieter Aertsen, pero las principales figuras del arte secular en este periodo fue Pieter Brueghel el Viejo que pintó reflexiones realistas de la vida flamenca.
Arquitectura gotica países bajos
EL TRIUNFO DE LA MUERTE
La pintura reproduce un tema habitual en la literatura del medioevo como es la danza de la Muerte, que fue frecuentemente utilizado por los artistas nórdicos. Brueghel dotó a toda la obra de un tono pardo rojizo, que ayuda a dar un aspecto infernal a la escena, apropiado para el asunto representado. La profusión de escenas y el sentido moralizante utilizado por el autor, son parte de la influencia de El Bosco en su obra.
La pintura perteneció a la reina Isabel de Farnesio, quien la tenía en el Palacio de la Granjaen 1745.
JARDINES DE LAS DELICIAS
El jardín de las delicias es una de las obras más conocidas del pintor holandés Hieronymus Bosch (el Bosco). Se trata de un tríptico pintado al óleo sobre tabla de 220 x 389 cm, compuesto de una tabla central de 220 x 195 cm y dos laterales de 220 x 97 cada una (pintadas en sus dos lados) que se pueden cerrar sobre aquella.
Obra de contenido simbólico, sobre el que se han ofrecido variadas interpretaciones, como El carro de heno o la Mesa de los pecados capitales, obras todas ellas adquiridas por el rey Felipe II de España, gran admirador del pintor, y guardadas durante algún tiempo en elMonasterio de El Escorial, obedece a una intención moralizante y satírica que iba a hacer fortuna ya en su época como demuestra la temprana aparición de copistas e imitadores.
Considerada como una de las obras más fascinantes, misteriosas y atrayentes de la historia del arte, el cuadro forma parte de los fondos de exposición permanente del Museo del Prado de Madrid, donde ingresó como depósito del Patrimonio Nacional en 1939.
Análisis del tríptico
- Tríptico cerrado El cuadro cerrado en su parte exterior alude al tercer día de la creación del mundo. Se representa un globo terráqueo, con la Tierra dentro de una esferatransparente, símbolo, según Tolnay, de la fragilidad del universo. Solo hay formas vegetales y minerales, no hay animales ni personas. Está pintado en tonos grises, blanco y negro, lo que se corresponde a un mundo sin el Sol ni la Luna aunque también es una forma de conseguir un dramático contraste con el colorido interior, entre un mundo antes del hombre y otro poblado por infinidad de seres.
- Triptico abierto Al abrirse, el tríptico presenta, en el panel izquierdo, una imagen del paraíso donde se representa el último día de la creación, con Eva y Adán, y en el panel central se representa la locura desatada: la lujuria. En esta tabla central aparece el acto sexual y es donde se descubren todo tipo de placeres carnales, que son la prueba de que el hombre había perdido la gracia. Por último tenemos la tabla de la derecha donde se representa la condena en elinfierno; en ella el pintor nos muestra un escenario apoteósico y cruel en el que el ser humano es condenado por su pecado.
La estructura de la obra, en sí, también cuenta con un encuadre simbólico: al abrirse, realmente se cierra simbólicamente, porque en su contenido está el principio y el fin humano. El principio en la primera tabla, que representa el Génesis y el Paraíso, y el fin en la tercera, que representa el Infierno.
MATRIMONIO ARNOLFINI
El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un cuadro del pintor flamenco Jan van Eyck; fechado en 1434, representa al rico mercaderGiovanni Arnolfini y a su esposa Jeanne Cenami, que se establecieron y prosperaron en la ciudad de Brujas (hoy Bélgica), entre 1420 y 1472. Al día de hoy, los historiadores del arte discuten exactamente la imagen que el cuadro presenta; la tesis durante mucho tiempo dominante, introducida por Erwin Panofsky en un ensayo de 1934, sostiene que la imagen corresponde al matrimonio de ambos, celebrado en secreto y atestiguado por el pintor. Sin embargo, muchas otras interpretaciones se han propuesto acerca del cuadro, y el consenso actual es que la teoría de Panofsky es difícilmente sostenible.
En todo caso, la pintura —desde 1842 en la National Gallery de Londres tras desaparecer misteriosamente en 1813 del Palacio Real de Madrid— se considera una de las obras más notables de van Eyck. Es uno de los primeros retratos de tema no hagiográfico que se conservan, y a la vez una informativa escena costumbrista. La pareja aparece de pie, en su alcoba; el esposo bendice a su mujer, que le ofrece su mano derecha, mientras apoya la izquierda en su vientre. La pose de los personajes resulta teatral y ceremoniosa, prácticamente hierática; algunos especialistas ven en estas actitudes flemáticas cierta comicidad, aunque la extendida interpretación que ve en el retrato la representación de una boda atribuye a ello su aire pomposo.
